Leo y sus leones - Música Clásica

Francisco Tárrega - Gran Vals

2011-08-13T14:46:00.000-07:00

Francisco Tárrega - Gran Vals

Gggrrr!!!

(rugido de saludo)

¿Conocen los celulares Nokia? ¡Quién no los coconce! Pero, ¿sabían que también allí podemos encontrar música clásica? ¿No me creen? ¡¡¡Cachorros de poca Fé, no pongan jamás a preuba a su maestro!!!! Bien, si no me creen LEAN:

Son sólo cuatro breves compases, los que van del 14 al 17 del Gran Vals de Francisco Tárrega, compositor español. Tino-nino, tino-nino, tino-nino, ni. La melodía más escuchada del planeta. Trece notas que forman el dichoso sonido que cientos de millones de usuarios de teléfonos Nokia, y otros tantos que se encuentren alrededor de ellos, escuchan cuando salta el grillo del celular. Escúchelo:

Se estima que los cuatro compases de Tárrega se reproducen por segundo unas 20.000 veces, es decir unos 657 billones de veces al año. Sólo con tener en cuenta que Nokia usa la melodía por defecto en sus teléfonos móviles desde 1994, la cifra de escuchas del pedacito del Gran Vals de Tárrega podría alcanzar los 11 cuatrillones de reproducciones. Mucho, muchísimo más, que la Quinta Sinfonía de Beethoven, el himno nacional de EEUU o el Thriller de Michael Jackson, la pieza del compositor español es la más escuchada de toda la historia de la música, clásica y no clásica. Un honor que pocos podrían esperar de un compositor pionero en la guitarra como instrumento de orquesta y mucho menos popular que los también españoles Isaac Albéniz, Enrique Granados o Manuel de Falla. Escuche el "Gran Vals" en su versión original (el tema fue compuesto para ser tocado con guitarra):

Y todo esto, gratis. La melodía que Nokia registró en 1999 como soundmark -logo comercial basado en sonidos- le hubiera reportado ahora una fortuna. ¿Pero podrían beneficiarse sus herederos? «No -contesta Federico Latorre, abogado especialista en derechos de Propiedad Intelectual-, cualquier obra musical pasa a ser de dominio público 80 años después de que fallezca el compositor de la misma, y Tárrega murió en 1909». La SGAE lo confirma, nunca desaparece el derecho moral, de autoría -que Nokia ha reconocido siempre- pero sí el patrimonial, que se extingue en los citados 80 años. El hombre tenía un talento innato para la música pegadiza: otra composición suya, Adelita, le sirvió a Calvé para vender sus mayonesas. Además, poco importa: no existen herederos directos del compositor.Escuche el "Gran Vals" interpretado por la Orquesta Sinfónica Santa Cecilia de Cullera (Valecnia, España):

Aunque el concertista y compositor nacido en Villareal en 1850 tuviera un cierto éxito en la España de finales del siglo XIX y principios del XX, nunca hubiera podido imaginar que una de sus escasas composiciones -apenas nueve, como cuenta a Crónica su biógrafo, Adrián Rius Espinós- llegara a ser universal. Sobre todo el Gran Vals, una composición menor en comparación a sus Recuerdos de la Alhambra, con la que siempre se le asocia. Desde que apenas tuviera 10 años, Tárrega ya tocaba la guitarra en la humildísima casa familiar de Villareal. Solía escaparse con sólo 11 años, para tocar en la calle y en cafés, arropado por una comunidad de gitanos que lo protegían y admiraban. Su padre, harto de las correrías de su vástago por las calles de ambas urbes, hubo de vender sus propiedades, tan sólo para pagarse el billete e ir a rescatarlo del compadreo callejero. Hasta que un noble en 1865 accedió a ejercer de mecenas debido a su talento y le proporcionó una educación adecuada. Hacia 1880 Tárrega ya era un músico de cierto nombre, alternaba con los Albéniz y Granados, pero vivió sobre todo de su labor como profesor de guitarra. Tampoco han cambiado tanto los tiempos.

La información la tomé de AQUÍ.

Grrrr!!!

(que quiere decir "nos vemos, ¡hasta pronto!)

leoysusleones@hotmail.com

Beethoven - La victoria de Wellington (Sinfonía de la Batalla)

2011-08-06T08:52:00.000-07:00

Beethoven - Wellingtons Sieg (La victoria de Wellington)

Grrr!!! (rugido de bienvenida)

Saludos cachorros

Ahora estamos en vacaciones de Fiestas Patrias y estoy seguro que muchos de ustedes aprovechan el tiempo libre para ver películas en la televisión ¿verdad?

Es muy probable que ustedes hayan visto no una sino muchas películas bélicas (películas sobre guerras), es muy obvio que se puede llevar una batalla al cine... pero ¿se podría llevar una batalla a la música? Pues, sí, sí se puede. Beethoven los hizo con la famosa batalla de Vittoria, batalla a la que Beethoven llamaría La victoria de Wellington.

Un poco de historia: Inglaterra no quiere a Napoleón

Desde 1789, Francia se había visto envuelta en la Revolución, y tras llegar al gobierno en 1799, Napoleón se había hecho de facto con el poder en Europa.

El gobierno británico no veía con buenos ojos el poder que Napoleón iba acrecentando día a día y buscaba opciones para terminar con la amenaza de Napoleón, y el conde de Wellinfton ayudó a obtenerlas.

Es 1813 y España estaba bajo dominio francés. Los ingleses llegaron en ayuda de los españoles, pero ojo que no era una ayuda desinteresada al pueblo español, la verdad de la milanesa era que a los ingleses no les convenía PARA NADA que los franceses (ni su Constitución ni ideas democráticas burguesas, lo más avanzado y progresista de la época) continuen en suelo español, el objetivo era devolverle el poder a Fernando VII. Y el conde de Wellington, junto a tropas inglesas) se ofreció a comandar las fuerzas que liberen a España de Francia y Napoléon.

Y, en honor a la verdad, las tropas francesas estaban bastante desmoralizadas pues la guerra de Napoleón se desarrollaba, paralelamente, en otor frente: Rusia. Y las cosas en Rusia, definitivamente, no marchaban bien para Francia. Además los franceses estaban hambrientos y con pocas armas. Por ello el 21 de junio de 1813 la victoria fu fácil para Wellington y su equipo que no sólo contaba con ingleses sino también con españoles y portugueses.

Viena tampoco quiere a Napoleón

Cuando a fines de julio llegó la noticia a Viena, Johann Nepomuk Mälzel encargó a Ludwig van Beethoven la composición de una obra sinfónica con motivo de este hecho. Nepomuk Mälzel era amigo de Beethoven y un gran inventor también, él fue el que creo diversos instrumentos musicales especiales para Beethoven que, por aquellos años, ya empezaba a quedarse sordo.

Beethoven había sino en su juventud un gran admirador de Beethoven y de las ideas burguesas de la nueva Francia. Eran años en que las potencias monárquicas europeas se habían aliado para derrotar a la Francia revolucionaria. En una deslumbrante campaña en el norte de Italia, en la que el ejército austríaco fue derrotado, adquirió notoriedad Napoleón Bonaparte, que se convirtió en un ídolo entre los sectores progresistas. De esta época son la Sonata para piano n.º 8, llamada Patética, y la Sonata para piano n.º 14, llamada Claro de luna. Su Tercera Sinfonía, llamada la Eroica, estaba escrita en un principio en «memoria de un gran hombre», Napoleón, que era visto en ese momento como un liberador de su pueblo. Cuando se declaró a sí mismo Emperador, Beethoven se enfureció y borró violentamente el nombre de Napoleón de la primera página de la partitura.

Y Napoleón, ahora convertido en un furibundo anti bonapartista acogió el encargo de su amigo, el inventor, con gran regocijo y estímulo. Y el producto fue La victoria de Wellington (Wellingtons Sieg, Opus 91) o "Die Schlacht bei Vitoria" o "Siegessymphonie". Obra que se inicia así (el video incluye las partituras):

¿Y dónde está la batalla? Pues aquí:

0:00 Tambores y trompetas en el lado inglés
0:41 Marcha británica
1:20 Tambores y trompetas en el lado francés
1:54 Marcha francesa: Marlborough ("porque es un buen compañero..")
2:44 Convocatoria a la batalla
3:08 Batalla: Allegro
5:02 Tormenta de amrzo: Allegro assai
7:00 Andante

Esta es la segunda parte:

¡Genial! Desde cualquier punto de vista. Pero a Beethoven no le gustó mucho el resultado, empezó a componer esta sinfonía con entusiasmo, pero al poco rato ya el trabajo le empezó a parecer monótono e intrascendente, parece que sólo culminó esta obra para complacer a su amigo al inventor pues al finalizarla exclamó: ¡Es una estupidez! No obstante la obra fue de una popularidad enorme en su época.

Esta sinfonía trae innovaciones, por ejemplo para interpretarla se necesita artillería pesada, para que la obra se interprete e acuerdo al original se deberían alternar con la música ¡193 disparos de cañón!

¡Grande Beethoven, Grande!!!

P.D. Con la obertura 1812 de Piotr Ilitch Tchaïkovski y La Batalla de los Hunos de Franz Liszt, La Victoria de Wellington forma parte de las obras que conmemoran una gran batalla militar.

Otra P.D. El himno francés que entona se llama Marlbrough s'en va-t-en guerre, canción que data de 1709 y que es enormemente popular y no sólo en Francia. Tal vez si les damos la traducción comprendan, la traducción del francés al español es Mambrú se fue a la guerra, una marcha militar (convertida en canción de cuna conocida) en todo el mundo occidental:

Si tienes más de 40 seguro que te sabes las letras:

Mambrú se fue a la guerra,

¡qué dolor, qué dolor, qué pena!,
Mambrú se fue a la guerra,
no sé cuando vendrá.
Do-re-mi, do-re-fa,
no sé cuando vendrá.

Vendrá para la Pascua,
chibirín, chibirín, chin chin,
vendrá para la Pascua
o para Navidad.
Ja ja ja, ja ja ja,
o para Navidad.

Si quieres saber más sobre Mambrú visita la Wikipedia y descubre las innumerables versiones de esta bella melodía.

Y si eres mayor de 40 existen dos acontecimientos, con altas probabilidades, que te deben de suceder:

1. Ya eres papá (o mamá) y

2. Tus hijos pequeños deben de ignorar completamente esta canción.

Bien, para que la cantes, junto con tus hijos te dejo el karaoke de Mambrú:

Ahora si me voy....

Grrrrr!!!!
(rugido de despedida)

leoysusleones@hotmail.com

Beethoven - Para Elisa

2011-02-16T21:13:00.000-08:00

Para Elisa - Beethoven

Grrrrr!!!! Saludos cachorros ¿han estado estudiando sus lecciones? Espero que sí, ya se acaban las vacaciones y pronto iniciaremos un nuevo año escolar, y así seguiremos año tras año, hasta que dejen de ser cachorros y puedan rugir tan fuerte como yo: Ggggrrrrrr!!!

En esta ocasión vamos a hablar, nuevamente de Beethoven y de una de las obras más conocidas: "Para Elisa", pero antes dos aclaraciones:

1º "Para Elisa" en realidad debería ser "Para Teresa" y

2º Beethoven no escribió "Para Elisa"(al menos, no como la conocemos)

¿Cómo dijo profesor Leo? ¡Esto es un enredo! No se preocupen cachorros. Veamos esto poco a poco:

1º "Para Elisa" en realidad debería ser "Para Teresa"

En 1810, Ludwig van Beethoven acudió a un recital que iba a ejecutar, según le aseguraron, un prodigio de la música. Se trataba de una niña llamada Teresa, la cual tenía fama de precoz pianista que, en efecto, deslumbró a todos los presentes… hasta que llegó el momento de interpretar una pieza del compositor alemán.

La pequeña se aturdió tanto que se vio incapaz de tocarla y abandonó la sala entre sollozos. Beethoven corrió tras ella y le preguntó el porqué no había podido seguir con su pieza. Teresa, limitó a excusarse asegurando que todas las composiciones eran muy difíciles. Para sosegarla, el músico, prometió componerle una sonata sólo para ella.Y así fue, al día siguiente, la joven pianista recibió una partitura inmortal. Se titulaba “Para Teresa” (Recuerdos del 27 de abril de 1810).

La pieza ha pasado a la historia bajo el título de “Para Elisa”, pero no se sabe bien si por error de algún copista o por la mala caligrafía del genial compositor. Aunque la vida amorosa de Beethoven es algo confusa y bastante desconocida, algunos indicios apuntan a que la precoz pianista no era otra que Teresa Malfatti, de la que años después, al reencontrarla, se enamoró y quiso contraer matrimonio, siendo rechazado por la inspiradora de una de las sonatas más famosas de la historia de la música.

Según una antigua teoría de Max Unger, la pieza debería su popular nombre a la confusión de Ludwig Nohl a la hora de transcribir el manuscrito original. Debido a la mala legibilidad de la dedicatoria, donde parecía estar escrito «Elise» debería leerse, en realidad, «Therese». Así, la bagatela en realidad es «Para Teresa» («Für Therese»).

“Para Elisa” no es mencionada en los catálogos de composiciones beethovenianas, ni tampoco en el catálogo de Lenz, que es muy meticuloso, pero aseguran sus estudiosos que no hay dudas con respecto a la autenticidad de esa hermosa página musical. Pero... antes de continura con nuestro relato, mejor escuche Fur Elise en manos de Ivo Pogorelich...

Fur Elise - Ivo Pogorelich

2º Beethoven no escribió "Para Elisa"(al menos, no como la conocemos)

Un musicólogo italiano llamado Luca Chiantore ha demostrado que la pieza pianística conocida como Para Elisa, una de las más célebres de todos los tiempos, no la compuso Beethoven. O no la compuso tal y como nosotros la conocemos. Según sus investigaciones, el musicólogo alemán Ludwig Nohl fue quien tras la muerte del sordo de Bonn tomó sus apuntes (Para Elisa es sólo una hoja de álbum, es decir, una obrita que no forma parte de nada ni está relacionada con ninguna otra partitura; de hecho, figura fuera de catálogo) y reelaboró la pieza hasta la darle la forma actual. Por cierto, por si les interesa tienen la partitura aquí.

No es la primera vez que pasa, ni siquiera la primera vez que sucede con una obra famosa. El Adagio de Albinoni, por ejemplo, es una obra casi enteramente escrita por Giazotto a partir de unos pocos apuntes del veneciano.

A menudo la historia se reescribe a medida que aparecen nuevas pruebas. escuchemos la versión de Richard Clayderman de "Para Elisa"...

Fur Elise - Clayderman

Las obras más conocidas de Beethoven

"Para Elisa" es, junto con la Sonata op. 27 n.º 14 «Claro de luna» y el primer movimiento de la Quinta Sinfonía, una de las más conocidas piezas de Beethoven, sin olvidar el cuarto movimiento (presto, la Oda a la Alegría) de la Novena Sinfonía.

Fur Elise - Zack Kim

Y eso es todo amigos. Nos vemos en breve con mucha más música clásica.

Grrr!!!

Leo el León
Jefe de la manada

leoysusleones@hotmail.com

Beethoven - Claro de Luna

2010-07-24T22:32:00.000-07:00

Beethoven - Claro de Luna

Grrr!!!

Saludos cachorros

Soy YO. Regresé después de muchas lunas. La verdad estaba con los horarios al límite. Ahora que dispongo de unos días libres, debido a los feriados por fiestas patrias en el Perú, dedicaré más tiempo a este blog, que más que un blog es una pasión a la música clásica (y al mismo tiempo una forma de contagiar esta pasión en todos vosotros, Grrr!!!).

Bueno, vayamos a lo nuestro, la música clásica.

La leyenda de Claro de Luna

El origen de esta melodía no esta del todo esclarecida. Pero sumando los datos que he podido obtener, me encuentro en condición de poder contarles la historia de "Claro de Luna", una historia romántica y triste.

Pero primero los invito a escuchar Claro de Luna (o Sonata para piano Nº 14), con Wilhelm Kempff, pianista y compositor alemán.

Nuestro amigo Beethoven había cumplido los treinta años y ya era un músico reconocido, acababa de componer su Primera Sinfonía y se ganaba la vida enseñando música a jóvenes de la aristocracia de Viena. Hasta aquí todo bien ¿no es cierto? Pero Beethoven era aun soltero, y buscaba con ansías una dama que lo acompañase y comprendiese, y sobre todo que lo comprendiese por que este señor tenía un carácter que ahora los psicólogos llamarían bipolar, es decir era una persona de reacciones violentas y explosivas, y al mismo tiempo una personalidad muy cercana a tener constantes, y profundas depresiones. No señores, Beethoven no tenía en absoluto un caracter agradable.

Se inicia un romance

Es en 1801 que es invitado a enseñar clases de música a la condesa Giulietta Guicciardi, joven de 16 años pero muy dedicada (y obstinada) por aprender el piano. La dama acababa de llegar de Italia, Beethoven confiesa en una carta la impresión que le causo conocer a esta joven:

Contemplar de cerca aquél espectáculo que se había reflejado en mis ojos, tras ser presentado, hízome turbar hasta casi perder el equilibrio. Acababa de conocer a Guilietta Guicciardi, la musa que inspiraría a partir de aquel momento tantas y tantas veces la música que llevaba impresa en mis entrañas... Era bellísima hasta la médula, con unos ojos azules intensos, morena pero pálida, con el cabello corto como se llevaba en aquélla época, Desde aquel instante en que la conocí, llegué a creer que quizá alcanzase la felicidad plena en su compañía, en el supuesto de que mi amor fuese correspondido por mujer de tamaña belleza misteriosa.

Pero eso noes todo, al parecer Beethoven era correspondido:

El tiempo transcurría y, paulatinamente, noté que mi musa inspiradora se sentía también atraída hacia mí. Sin ninguna duda, no me importaba poder hacerla mi esposa aún cuando sólo contaba dieciséis primaveras. Sin embargo, cuando el amor correspondido por Julieta me colmaba de toda dicha, no tardé en darme cuenta de que, tras ese rostro de ensueño, esos ojos que destapaban el tarro de las esencias más puras, en definitiva, de aquella figura celestial, se ocultaba un arma de doble filo. Cuando el hechizo había sacudido mi mente hasta la locura, Julieta empezó a mostrar su verdadero yo. Vanidad, egoísmo y dominio salieron a flote, destrozando la magia que me embargaba, el poder que mi ser experimentaba, convirtiéndolo todo en el fin de una quimera. Sin embargo, aún continuaba amándola, incluso a pesar de sus continuos intentos de controlar hasta el último de mis pasos. Irritación y desolación invadieron nuestros encuentros, con el fantasma de la destrucción asomando por la puerta.

¡Vaya! ¡Por lo visto Beethoven no sólo sabía escribir buenas música, sino también buenas cartas!

Empiezan las dificultades

Beethoven, espíritu atormentado y enamorado, no imaginaba lo que pronto sucedería:

Finalmente, ocurrió lo que jamás tenía que haber sucedido. El conde de Gallenberg, director de la Ópera de Viena, fue la marioneta que sirvió a la inconsecuente Julieta para saldar sus cuentas, para consumar su venganza por no lograr dominar mi voluntad, mi espíritu con aroma de libertad. Fui testigo de aquella boda, de aquel horror desgarrador, del fin de mis esperanzas más soñadas.

Con algo más de rigor debemos de complementar esta versión, En aquella época las convenciones sociales eran sumamente estrictas (o elitistas, para ser más exactos), y estaba prohibido a cualquier dama de sociedad fijarse en un plebeyo. A través de diversos documentos sabemos que la petición de mano de Beethoven fue rechazada por el padre de la condesa por que el músico no tenía empleo estable, ganaba una miseria y no tenía ningún título nobiliario.

Y, para colmo de males, nuestro héore empiza a quedarse sordo justo en aquel año ¡y quedarse sordo es lo peor que le puede pasar a un músico! Dejemos que el mismo Beethoven concluya la historia:

Entonces, aquella sonata empezó a cobrar vida en mi interior, hasta que las manos se encargaron de transportar al piano las sensaciones que brotaban en forma de música. "Claro de luna", mi adagio "Claro de luna", había nacido. Ninguna de mis sonatas recreó mejor un pasaje importante de mi vida, ni siquiera las ocho sinfonías que llevo compuestas en el momento de escribir estas palabras.

Y la carta concluye así:

Sí, yo, Ludwig Van Beethoven, he querido contar esta historia, cuando ni siquiera sé si podré terminar mi novena sinfonía. Aquél lejano año de 1802 comenzó mi triste enfermedad, la sordera, y ahora, a mis 54 años, sólo espero que algún día mi historia pueda ver la luz, y que mi música logre penetrar en lo más hondo del corazón de las generaciones venideras.

Sí, amigo. Lo lograste

Disfruten esta obra fruto de un amor que nunca llegó a cristalizarse.

Richard Clayderman, pianista francés, también tiene su versión de Claro de Luna, gracias a Clayderman, y muchísmimos otros músicos contemporáneos, Claro de Luna es una de las melodías más conocidas en todo el planeta. Y una de las melodias más bellas de al música clásica.

Y antes de despedirme contéstenme, qué les gustó más ¿la historia o la melodía?

Grrr!!!

(Hasta luego)

Bach: Badineire

2010-04-03T16:28:00.000-07:00

Bach - Badineire

Grrr!!!

Saludos cachorros

En esta oportunidad los deja con una de las melodías más conocidas en el mundo entero. Esta tonada es muy hermosa y es muy probable que la hayas escuchado en los tonos de los celulares, sobre todo en los Nokias.

El nombre completo de esta pieza es: Badinerie de la Suite Orquestal nº 2 en Si menor BWV 1067 . ¿Qué significa todo esto? Vamos por partes. Bach compuso cuatro suites orquestales (también conocidas como oberturas). Y ahora vamos a ver una parte de la 2° suite. La suite 2° tiene siete partes, y el Badineire es la última parte (o sea es la fuga, un ritmo rápido, travieso y optimiusta) ¿De acuerdo?

Estas suites fueron compuestas, probablemente, entre 1725 y 1739 en Leipzig.

Badinerie - Ton Koopman

Con el término Suite (del francés suite: sucesión o secuencia), se denomina a una obra integrada por una sucesión de danzas. Estas danzas, en origen bailables, son estilizadas hasta un nivel artístico y utilizadas por la música instrumental; la danza y la música vocal, junto con la variación y la improvisación, constituyen las dos raíces de la música instrumental.

Badineire - Dos músicos, una flauta

La Suite tiene su origen en las parejas de danzas contrastantes en tempo y carácter. Ya en la Edad Media algunas danzas (las llamadas danzas pareadas) constaban de dos miembros contrastados, pero será en el Barroco cuando la Suite adopte su forma característica: sucesión de danzas de distintos tempos y caracteres que suelen estar vinculadas por el uso de una misma tonalidad. Hay una serie de danzas que suelen aparecer emparejadas en casi todas las suites barrocas: allemande-courante contrastadas por zarabanda y giga. A estas danzas se sumaban otras a gusto del compositor como gavota, minué, polonesa, bourrée. Y otras libres, no relacionadas con ninguna danza, pero que mantenían el carácter danzable; este sería el caso de esta Badinerie, que dado su carácter no podía encajar en otra forma que no fuera la de la, hasta cierto punto, anárquica Suite.

Badineire - Con quena, guitarra y bajo

El ritmo es muy marcado y persistente, característico del Barroco. El comienzo en anacrusa es propio de la música de baile en la que se inspira la suite. El motivo rítmico de una corchea y dos semicorcheas repetido tres veces en sentido descendente es un elemento dominante en todo el movimiento.

Espero les haya gustado el post.

Gggrrr!!!
(Hasta pronto)

Tchaikovsky - Obertura 1812

2009-10-26T06:35:00.000-07:00

Tchaikovsky - Obertura 1812

Saludos

Navegando en la red econtré este post en diferentes páginas webs. El título no deja de ser impresionante: 1 000 teléfonos, 2 000 SMS, una canción.

Hacer campañas virales (videos comerciales que se suben al YouTube para propiciar su propagación) hoy en día es tarea complicada. Para hacerlas, y que tengan éxito obviamente, hay que generar cosas raras y que tengan una pegada fuertísima. ¿Qué mejor que hacer una pieza de Tchaikovsky con celulares?

Esto es lo que realizó la gente de Vodafone para uno de sus comerciales. Para eso utilizó 1000 terminales con 53 melodías diferentes y que sonaron de esa manera después que enviaron 2000 SMSs. ¡Vaya trabajo de coordinación para reañizar este comercial! ¿no creen?

Excelente video viral producido por Vodafone (mucho mejor que cierto comercial con consolas de videojuegos volando por el aire destruyendo televisores, si me preguntan). La obra recreada es la Obertura 1812, de Tchaikovsky.

Napoleón en Rusia

El 7 de septiembre de 1812, en Borodino (a 120 km al oeste de Moscú) las tropas de Napoleón se enfrentaron a las fuerzas del general Mijaíl Kutuzov en la única batalla formal presentada por los rusos contra el hasta entonces invicto ejército francés. La batalla de Borodino tuvo un saldo estimado de 100000 bajas y resultó una victoria pírrica para Napoleón. Con sus recursos agotados las fuerzas maltrechas de Napoleón avanzaron hasta Moscú, que se rindió sin presentar resistencia. Esperando la capitulación del zar Alejandro I, los franceses se encontraron atrapados en una ciudad incendiada, lejos de sus líneas de abastecimiento. Al no poder asentar sus cuarteles de invierno, Napoleón se vio obligado a abandonar Rusia. Entre el 19 de octubre y hasta diciembre el ejército francés se enfrentó a varios contratiempos abrumadores en su larga retirada: hambre, bajas temperaturas, y el constante asedio de las fuerzas rusas. Abandonada por Napoleón en diciembre, la Grande Armée se encontró reducida a la décima parte de su número al momento de alcanzar Polonia. La Obertura 1812 puede ser interpretada como una representación literal de la campaña napoleónica en Rusia

Si desea conocer más vaya a la Invasión Napoleónica en Rusia.

La Obertura 1812

La podéis oir aquí.

La pieza comienza con una melodía religiosa de la iglesia ortodoxa rusa,... la Plegaria al Salvador, que recuerda cómo la declaración de guerra contra Francia fue notificada al pueblo en los servicios religiosos de toda Rusia. Es inmediatamente seguida por un cántico solemne de deseo de victoria. Estos anuncios y la reacción del pueblo están reflejados en la novela Guerra y paz, de Lev Tolstói (que también describe la batalla de Borodino (el 7 de septiembre de 1812), donde Napoleón Bonaparte vence a las fuerzas rusas e invade Moscú).

La pieza continúa con una marcha presentada por los cornos, donde se oye cargar a los ejércitos. El himno nacional francés, La Marsellesa sirve para denotar el carácter francés del ejército invasor y la victoria de Napoleón sobre los rusos. Un tema folclórico ruso conmemora la batalla donde los moscovitas vencen a Napoleón. La retirada de Moscú (a fines de octubre de 1812) está reflejada por un diminuendo en la música.

El fuego de los cañones muestra el avance de los rusos casi hasta las fronteras del imperio francés. Al final del conflicto se oyen campanas y fuegos artificiales por la victoria y liberación de Rusia de la ocupación francesa. Por debajo de los cañones y los cornos se oye el himno nacional ruso: Dios salve al zar. Este himno ruso es un contrapunto del himno francés que se escuchó antes.

Esta obertura muestra un anacronismo curioso, ya que ni La marsellesa ni Dios salve al zar eran en 1812 los himnos de Francia y Rusia respectivamente, sino que lo eran en la época en la que Piotr Ilich Thaikovsky compuso la obra.

Al estar considerada como música programática, se ha llegado a interpretar en numerosas ocasiones con cañones reales, en sustitución a los timbales y otros instrumentos de percusión para los que en realidad Tchaikovsky compuso la obra.

La Obertura en el cine

La Obertura 1812, es usada en la banda sonora de la pelicula V de Vendetta (2006). Una grabación se escucha en el principio, cuando V hace explotar el Old Bailey, y en el final, dándole marco a la destrucción del Parlamento británico. Estos datos fueron tomados del siguiente blog.

La obertura en los dibujos animados

En México, en el 2009, realizaron un comercial en el cual sensibilizan al espectador a preferir los productos mexicanos. Para ello contaron la ayuda de tres grandes elementos: el coyote, el correcaminos y Tchaikosky. Es para matarse de risa...

Escuche la famosa segunda parte de la Obertura 1812

La solemne Obertura 1812, Op. 49 es una obra orquestal compuesta entre septiembre y octubre de 1880. Fue estrenada en la Catedral de Cristo el Salvador de Moscú el 20 de Agosto de 1882. Tchaikovsky diría luego: "Es muy fuerte y ruidosa, carente de mérito artístico, porque la escribí sin calidez ni cariño". Hoy en día es parte de la historia musical de Rusia y de la Humanidad.

Beethoven - La Quinta Sinfonía

2009-10-23T19:38:00.000-07:00

Beethoven - la Quinta Sinfonía

Saludos:

Antes de iniciar el post quisiera hablarles de la Electric Ligth Orchestra (ELO). ELO fue una banda de rock británica con una tryectoría que se inició en 1971 y terminó en 1986.

En 1973 el grupo publicó su segundo álbum, ELO 2, el cual incluyó una versión del tema de Chuck Berry "Roll Over Beethoven", donde anunciaban que el rock & rool pasaría a ocupar el lugar de la música clásica. Esta camciónprodujo el primer gran éxito del grupo en Estados Unidos.

¿Y qué tienen de maravilloso este tema? Pues el tema se incia, y culmina con el famoso ta-ta-ta tam (que se repite dos veces), tal vez la melodía más conocida de toda la música clásica. El ta-ata-ta tam se escribe así en el pentagrama:

Los círculos negros se leen ta-ta-ta y el círculo blanco se lee tam. O sea todo junto ta-ta-ta tam (y vuelva a repetrilo). Escuchen la versión Electro Ligth, el violín de la banda es, simplemente, sensacional:

La Quinta Sinfonía

Las primeras notas de esta sinfonía se han convertido en sinónimo de la música clásica.

Disfrute el primer movimiento de la Quinta Sinfonía de Beethoven, interpretado por la Filarmónica de Berlin, dirige von Karajan:

Cuando Beethoven la compuso ya estaba llegando a los 40 años, su vida personal estaba marcada por la angustia que le causaba el aumento de su sordera; pese a esto, había entrado ya en un imparable proceso de “furia creativa". Europa estaba marcada decisivamente por las guerras napoleónicas, la agitación política en Austria y la ocupación de Viena por las tropas de Napoleón en 1805.

En 1808, Beethoven compone la Quinta Sinfonía (Op. 67). Esta sinfonía en do menor destaca principalmente por la construcción de los cuatro movimientos basados en cuatro notas (tres corcheas y una negra), las cuales abren la obra y retornan una y otra vez dando a la sinfonía una extraordinaria unidad. Para el músico significaban "la llamada del destino". El segundo movimiento es un hermoso tema con variaciones. El tercer movimiento, scherzo, comienza misteriosamente y prosigue salvajemente en los instrumentos de viento-metal con una forma derivada de la "llamada del destino"; un pasaje tejido por los pizzicato de los instrumentos de cuerda se encadena sin pausa con el triunfal cuarto movimiento, allegro, y que posee una destacada coda. Los románticos admiraron mucho esta obra y las tres corcheas con una negra del inicio son quizá la firma más personal de Beethoven.

Beethoven decía, refiriéndose a la Quinta Sinfonía que así el destino llama la puerta (es lógico pensar que Beethoven se refiría al pa-pa-pa pam del inio de su obra como una enigmática mano que toca a una puerta). Por ello a esta composición también se le conoce como la Sinfonía del Destino.

No entusiasmó (en un inicio)

Hubo poca respuesta crítica en el estreno, que tuvo lugar en condiciones adversas. La orquesta no tocó bien - sólo tenía un ensayo antes del concierto - y en un punto, debido a un error de uno de los músicos en la Fantasía coral, Beethoven tuvo que detener la ejecución y comenzar nuevamente. La sala de conciertos era muy fría, y la longitud del programa terminó por agotar al público. Sin embargo, un año y medio después, otra ejecución generó una crítica entusiasta de E.T.A. Hoffmann en el Allgemeine Musikalische Zeitung. Describió la música con imágenes dramáticas:

Luces radiantes son lanzadas hacia la profunda noche de esta zona, y entonces advertimos en las sombras gigantescas que, oscilando hacia adelante y hacia atrás, se acercan hacia nosotros y destruye todo lo que hay dentro de nosotros excepto la angustia de la eterno anhelo - un anhelo que en cada placer que surge en sonidos jubilosos termina por hundirse y sucumbir. Sólo a través de este dolor, que, mientras va consumiendo mas no destruyendo al amor, a la esperanza y la alegría, intenta hacer estallar nuestros pechos con un lamento total lleno de voces de todas las pasiones, y vive en nosotros y somos cautivados por los guardianes de los espíritus.

Música disco

A fines de lo setentas se inició la fiebre de la música disco, una película es el ícono indiscutible de aquella época Fiebre de Sábado por la Noche, con un sound track de ensueño y con el baile inovidable de John Travolta.

Pues bien, en el soundtrack se incluyó un tema de Walter Murphy, un tema que sonó mucho, demasiado. Aquí lo tienen (con un fotomontaje de los pasos de baile de Travolta):

¡Gran tema! ¿No creen? Pero mejo es la versión en...

Heavy Metal

¿Y quién dice que no se puede alcanzar virtuosismo con la guitarra eléctrica? Un claro ejemplo es el sueco Yngwie Malmsteen quien también sacó a la luz su propia versión de la Quinta Sinfonía:

Malmsteen es conocido debido a su velocidad de ejecución dentro del estilo heavy metal y metal melódico. Su técnica lo llevó a incorporar elementos de la técnica de digitación del violín al estilo de Niccolò Paganini y Antonio Vivaldi, así como fragmentos estilísticos melódicos y armónicos barrocos.

Fue de este modo el precursor del denominado Metal neoclásico. Sus siguientes discos son mezcla de temas instrumentales y cantados, siempre en la misma línea clásica.

El mundo de la música es realmente sorprendente.

Hasta pronto:

Leonardo Sánchez Coello
leoysusleones@hotmail.com

Leopold Mozart - Sinfonía Juguete

2009-09-19T19:59:00.000-07:00

Leopold Mozart - Sinfonía Juguete

Grrr!!!

Saludos

Es casi seguro que todos hemos oído hablar de Amadeus Mozart, pero ¿quién es Leopoold Mozart? Pues Leopold es el padre de Amadeus.

Leopold Mozart estudió Filosofía y Derecho en la Universidad de Salzburgo, pero por sus reiteradas inasistencias fue expulsado. Era aficionado a los microscopios y telescopios. Se dedicó a cantar en actuaciones y se volvió un gran violinista y organista, ante la furia de sus padres que hubieran deseado que Leopold fuera un sacerdore católico.

Se casó a los 28 años y tuvo siete hijos, de los caules cinco murieon en la infancia. Afortunadamente, sobrevivieron sus dos niños prodigios: Maria Anna Ignatia y Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart. Al darse cuenta del talento de sus hijos, disminuyó su actividad creativa y se volcó en su instrucción.

A Leopold se le atribuye la creación de la Sinfonía de los Juguetes, y subrayo se le atribuye por que anteriormente esta pieza se consideraba del genio de Hadyn, y ahora parece ser que la pieza fue compuesta por Edmund Angerer.

Esta canción es maravillosa, para escucharla usted debe retroceder a su infancia, ¡debe sentirse niño para poder disfrutar la Sinfonía Juguete! Al escuchar la canción imagine el sonido de pitos y matracas, imagine que del cielo cae una gran cantidad de pica pica y que las aves también danzan a su alrededor. Piense en los soldaditos de plomo y en lo tambores que tocaba cuando era niño, piense en sus amigos correindo detrás de usted...

Aquí vemos una demostración de gimnasia rítmica al compás de la Sinfonía Juguete:

No hay duda de que la danza y la música van de la mano.

Pero la pintura y la m´ñusica también pueden hacer un buen dúo. En este video podemos apreciar pinturas de van Gogh.

Finalmente les dejo la versión con sintetizador. ¡Vaya! ¡Las cosas que se hacen en nombre de la música!

Grrrrrr!!!

Hasta pronto

Leonardo Sánchez Coello
(Leo el León)

Bach - Tocata y Fuga en Re menor

2009-06-04T21:36:00.001-07:00

Bach - Tocata y Fuga en Re menor

Saludos

Erase una vez... ¡Bach!

A inicios de los años ochenta se transmitió, con un inusitado éxito, en las cadenas de televisión de toda Europa y América una genial serie de dibujos animados: Erase una vez el hombre.

La serie, que constaba de 26 programas, trataba de narrar los principales acontecimientos de la Historia Universal mediante dibujos animados. Una idea que nadie había realizado antes. En Perú se transmitió por Panamericana Televisión (canal 5), cuando era cachorro esperaba la hora con ansiedad, y a las seis de la tarde todos guardabamos silencio para disfrutar el programa (que veíamos en blanco y negro en nuestro televisor National de 14 pulgadas).

En España pasaban la intro, el opening, de la serie con una horrible canción de Parchis. Pero la versión para América Latina, menos mal, respetaba la edición original francesa. Aquí la tienen:

La serie fue un éxito total, inclusive la serie de 26 capítulos tuvo una saga a través de revistas por fascículos. Yo vendí mis historietas de Batman y Superman para poder comprarme los fascículos ¡llegué a completar toda la colección! Una serie altamente recomendable. ¿Y la canción de fondo? Es la archiconocida Tocata y Fuga en Re menor de J. A. Bach.

Bach y los órganos

En esta ocasión les voy a relatar una deliciosa anécdota de Johan Sebastian Bach, el genial músico alemán que perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales de todos los tiempos. Nadie sabe si esta historia es verdadera o es falsa, pero de todas maneras la narraré.

Johan Sebastian tuvo la desdicha de perder a su madre a la edad de nueve años, al año siguiente fallece su padre (quien ya lo había iniciado en la música). Entonces el pequeño Bach tiene que partir a vivir junto a su hermano dieciséis años mayor que era organista en una ciudad cercana. Lo más probable es que Johan le tomará elgusto a este instrumento desde esta edad.

Cada vez que Bach se aprestaba a tocar un órgano decidía primero probarlo. Para ello tocaba todas las teclas del instrumento, las gentes al escuchar la melodía ovacionaban al músico. Pero el no se envanecía con los aplausos, al contrario esto le causaba cierta risa, pues el estaba tratando sólo de comprobar si el órgano estaba afinado o no. Este es un órgano alemán de aquella época.

En efecto, cuenta la leyenda que Bach compuso Tocata y Fuga para probar órganos. Se dice que la primera cosa que hacía Bach al probar un órgano era usar todos los registros y tocar con la máxima textura, para ver si el órgano tenía "buenos pulmones", es decir, si soplaba lo suficiente como para proporcionarle viento a todo el instrumento. Si no había suficiente viento, la calidad de los tonos se veía afectada. La abertura serviría como una buena prueba para el sistema de viento de un órgano. Disfrute la versión del tema en órgano:

¡Maravilloso! ¿No les parece? Pero también aterrador, es un tema que a muchos causa temor y escalofrío ¿saben por qué? Se debe a que este tema se ha utilizado muchas veces, debido a la energía y carga emocional que posee, en películas de terror clásicas como Drácula y El Fantasma de la Ópera.

Fantasia de Disney

"La Tocata es impetuosa e intesa, y está realzada por bellos contrastes de tonos. la Fuga, divertida y exhuberante, da a los artistas la oportunidad de trabajar con una pieza abstracta"

Así se describe esta pieza en el prólogo de Fantasía. La animación de esta parte de la película fué todo un reto para los animadores que por primera vez en su vida debían interpretar sus propios sentimientos y emociones a través de imágenes abstractas. El título de la obra evoca imágenes indefinidas y no cuenta ninguna historia, por lo que permitía dar libertad para interpretar la música con las imágenes que esta producía en las mentes de los animadores al escucharla, sugiriendo formas, colores, figuras en movimiento...

Walt Disney llevaba años pensando en un proyecto de dimensiones abstractas y esa era la oportunidad que había estado esperando para llevarlo a cabo.

La decisión de abrir la "Película Concierto " con Tocata y Fuga de Bach fué bienvenida por todo el equipo, pues las clásicas notas iniciales de la pieza musical llaman la atención, suenan como el anuncio de algo grande que está comenzando. Al principio el oyente es consciente de la orquesta, pero conforme se va adentrando en la música, ésta va tomando forma en su imaginación, y esto es lo que plasmaron los animadores.

¿Sólo para órgano?

Se supone que Bach compuso este tema para ser interpretado en el órgano, ojo, se supone por que este tema está en discusión por parte de especialistas.

No obstante hay muchísimas adaptaciones de este tema. Pasemos revista a los arreglos para orquesta que realizó Stokowski, y los arreglos para violín que realizó Vanessa Mae.

Una de los arreglos más célebres es el de Leopold Stokowski, sus arreglos horrorizan a los puristas, pero podemos decir a su favor que este músico acercó la música de Bach a las multitudes, la versión que utiliza Disney en el film Fantasia es la de Stokowsky. Paul Mauffray dirige Tocata y Fuga con la Filarmónica de Brno (República Checa), con arreglos de Stokowsky...

Frecuentemente, Stokowski interpretó esta obra durante sus primeros años como organista; fue una de sus primeras grabaciones con la Orquesta de Filadelfia; apareció en disco en 1927. El director-orquestador escribió:

"La Toccata y Fuga en Re menor es como una vasta rebelión de la naturaleza. Da la impresión de inmensas nubes blancas y tormentosas -como las que a menudo flotan en el aire del Sena- o la monumental majestuosidad del Himalaya.... Esta obra es una de las supremas inspiraciones de Bach; la cadencia final es como un “conjunto masivo de columnas dóricas de mármol blanco."

Otra versión muy popular es la de la grandiosa Vanessa Mae y su violín eléctrico Zeta. Mae es famosa pues divulga la música clásica pero matizada con toques pop, jazz y techno. ¿Se habría in¡maginado Bach que su música sonaría de esta manera, con instrumentos eléctricos y sintetizadores? Escucharla es todo un placer...

Bach con diseño gráfico

En este video se muestra esta obra de Bach de forma gráfica, de tal manera que hasta un persona como yo, que ignora mucho de partituras, puede apreciar (y sorprenderse) de la belleza de las formas que crean las notas que escribió este músico en la primera mitad del siglo XVIII.

El video es un poco largo (8:34 minutos) y molestan un poco los pequeños “saltos” que da de pronto el programa de la computadora pero, por lo menos a mí, me resulto imposible no verlo hasta el final.

Es una producción de Stephen Malinowski (en cuya página hay más videos de este tipo).

Bien, nos vemos en breve.

Leonardo Sánchez Coello
Profesor de Educación Primaria

Recomendamos: Hágase la música

También recomendamos: Clásicos Disney

Carl Orff - Carmina Burana

2009-02-24T17:51:00.000-08:00

Carl Orff - Carmina Burana

Saludos.

Hoy día les hablaré del mítico Rey Arturo y de una película donde se habla de su vida: Excalibur. Arturo crece como un escudero y logra retirar la mítica espada Excalibur de la roca donde su padre la insertó antes de morir. Elegido Rey, Arturo toma como consejero al mago Merlín, y poco a poco se rodea de valientes caballeros con los que forma la famosa Mesa Redonda.

Habiendo pacificado el país, Arturo se casa con Lady Guinevra , pero la paz no dura mucho en Camelot. La película está planteada como esos dramas de Shakespeare, con diálogos declamativos, aunque el director Boorman no ha sabido darles motivaciones a sus personajes.

Destacan Arturo y Merlín (cuyo permanente humor lo convierte en centro de la historia durante mucho tiempo). En el final, la búsqueda del Santo Grial ordenada por el Rey, hace que los ribetes mágicos se apoderen de la narrativa (y eso es lo más acertado de la película). Veamos un fragmento de esta película donde Arturo resucita y luego veremos como salen todos los caballeros al galope.

Identificaron la canción que suena mientras galopan los caballeros de brillante armadura. Es una pieza clásica: Carmina Burana. ¡Es una pieza musical que causa miedo a muchos!

Carmina Burana (texto)

Carmina burana es una colección de cantos goliardos de los siglos XII y XIII reunidos en un manuscrito concreto. El término procede del latín cármĕn carminis, ‘canto’ o ‘cántico’ (no confundir con la palabra árabe carmén ‘jardín’), y burana es el adjetivo gentilicio que indica la procedencia: ‘de Bura’ (el nombre latino del pueblo aleman de Beuern). El significado del nombre es, por tanto, ‘Canciones de Beuern’.

Códex buranus (Cármina burana)

El original Carmina burana es una colección de cantos de los siglos XII y XIII, que se han conservado en un único códice encontrado en 1803 en la abadía de Bura Sancti Benedicti (Benediktbeuern), en Baviera.

El códice recoge un total de 300 rimas, escritas en su mayoría en latín, algunas partes en un dialecto del germano antiguo medio, y del francés antiguo. Fueron escritos hacia el año 1230 aproximadamente, posiblemente en la abadía benedictina de Seckau o en el convento de Neustift, ambos en Austria.

Carmina Burana (mísica)

Carmina Burana es una cantata escénica del siglo XX compuesta por Carl Orff entre 1935 y 1936, utilizando como texto algunos de los poemas medievales de Carmina Burana. Su fragmento más conocido es el O Fortuna, que constituye la primera parte del preludio y que se repite al final de la obra. Orff subtituló la composición: Cantiones profánae cantóribus et choris cantándae comitántibus instrumentis atqüe imáginibus mágicis (en español: ‘canciones laicas para cantantes y coreutas para ser cantadas junto a instrumentos e imágenes mágicas’). Escuchen el O Fortuna en la Orquesta y Coro de la Sociedad Lírica Complutense de Alcalá de Henares, dirige Montserrat Font Marco:

De la colección completa de los Carmina burana, Orff escogió 25 canciones y las ordenó de modo que pudieran ser representadas en un escenario. En cuanto a la música, se amoldó a la sencillez de los textos. Aproximadamente la mitad de las piezas son canciones cuya melodía se repite en cada estrofa casi sin variantes, limitándose algunas veces a realizar simples escalas mayores o menores.

Orff (1895 - 1982) estrenó su Carmina en Fráncfort del Meno en 1938. A pesar de la "modernidad" que hay en algunas de sus técnicas de composición, Orff es capaz de capturar, en la trilogía, el espíritu de la Edad Media con ritmos contundentes, pegadizos y armonías elementales. Lo malo de Orff es que sentía simpatía por el nazismo alemán. ¡Ahí si que lo malograste todo Orff!

Rock, Pop & Remixes

Diversos artistas han empleado esta canción ya sea para empezar sus conciertos o para crear adaptaciones.

Esta es la versión Satanic Remix:

Esto demuestra que se pieden hacer infinitas variaciones de un tema musical. ¡Y aquí radica, precisamente, uno de los aspectos más maravillosos de la música!

Espero que el posteo haya sido de su agrado.

Se despide:

Leonardo Sánchez
leoysusleones@hotmail.com

Wagner - La Cabalgata de las Valquirias

2009-02-09T16:18:00.000-08:00

Wagner - La Cabalgata de las Valquirias

Apocalipsis Now es una genial película de Francis Ford Coppolpla, film que obtuviera dos premiso Oscar: a la mejor fotografía y al mejor sonido. Inolvidable, para todos los que hemos visto el film, es la escena en que los helicópteros del Noveno batallón de la Primera División de Caballería (Aerotransportada) bombardean un poblado de Vietnam, todo ello ambientado con la música de Wagner, La Cabalgata de las Valkirias" , tal cual hacían los audiovisuales de la Luftwaffe, para instrucción de los cadetes, que se pueden observar en Youtube. Esta escena inmortalizó al helicóptero UH-1 Huey en muchas de las mentes de las personas que vieron la película.

La Cabalgata de las Valquirias de Wagner, que Robert Duval , creo que como el coronel Kilgore , ordena activar en el aire , y cuya estremecedora emision gracias a un superparlante adaptado a uno de los helicopteros (que ya parecian los jinetes del apocalipsis), anunciaban a sus enemigos con esa especie de marcha militar convertida en musica clasica que la destruccion y la muerte no les tardaria en llegar.

Y, como ya habrán adivinado, estas escenas sirven como perfecta excusa para hablar de Wagner, el compositor de la Cabalgata de las Valquirias.

El Anillo del Nibelungo: La obra maestra de Wagner

Richard Wagner compusó. ya cerca al final de su vida, su obra maestra: El Anillo del Nibelungo. Wagner demoró 26 años, de 1848 a 1874, en culminar esta obra maestra.

La trama gira alrededor de un anillo mágico, que concede el poder de dominar el mundo (mmmm, ¿no les recuerda a la Película El Señor de los Anillo?, digo); el anillo fue forjado por el enano nibelungo Alberich, con oro robado del Rin. Diversos seres míticos luchan por la posesión del anillo, incluido Wotan (Odín), el jefe de los dioses.

El plan de Wotan para superar sus limitaciones, que se extiende por generaciones, es el motor de gran parte de la historia. El héroe Sigfrido gana el anillo como pretendía Wotan, pero acaba siendo traicionado y asesinado. Finalmente, la valquiria Brunilda (amante de Sigfrido e hija desleal de Wotan) devuelve el anillo al Rin. Durante el proceso, los dioses son destruidos.

La ópera El Anillo del Nibelungo, consta de cuatro partes, la sección más conocida es la segunda parte: las Valquirias, en concreto el momento denominado la Cabalgata de las Valquirias.

La Cabalgata de las Valquirias

Wagner compuso "La cabalgata de las valquirias", segunda de las óperas pertenecientes a "El anillo del Nibelungo" inspirándose, para ello, en la mitología nórdica. Al tema de las valquirias se une una idea musical que evoca el galopar de los corceles.

Esta es la versión más vista en YouTube, la Cabalgata de las Valquirias con la Orquesta Filarmónica de Holanda...

Hasta pronto...

Rossini - Guillermo Tell

2009-01-27T14:15:00.000-08:00

Rossini - Guillermo Tell

Ahora les voy a contar sobre otro de mis dibujos animados favoritos, se trata de The Band Concert (El Gran Concierto). Es un cortometraje animado dirigido por Wilfred Jackson, producido por Walt Disney y estrenado el 23 de febrero de 1935.

En 1994 apareció en el tercer puesto de la lista 50 Greatest Cartoons, la cual se basó en los votos de aproximadamente 1.000 personalidades de la industria de la animación.

En el corto Mickey Mouse es el director de una orquesta al aire libre. La orquesta está tocando la obertura Guillermo Tell, pero aparece el Pato Donald (su tercera aparición en un dibujo animado de Mickey) vendiendo helados. Sin ser invitado, Donald toma su flauta y distrae a la banda tocando Turkey in the Straw. Mickey trata de detener a Donald destruyendo su flauta, pero el pato tenía varias guardadas.

Mientras continúa el cortometraje, la banda de Mickey toca "La Tormenta" y generan un verdadero tornado, un tornado que arras con las casas y árboles que se interponene en su camino. ¿Quiéren saber que sigue? Vean el video:

La música puede crear tornados

Este dibujo lo vi sólo una vez, en la televisión y en blanco y negro, pero fue suficiente para que causará en mi gran impacto, siempre quise volverla a ver y ahora, gracias a Internet es posible. La orquesta de Mickey está conformada por: Goofy (clarinete) y un personaje similar (trombón), Clarabella (flauta), Horacio (percusión), Peter Pig (trompeta) y Paddy Pig (tuba).

En las escenas finales el tornado eleva por el cielo a los músicos, pero ellos, absortos en su tarea, no se percatan de nada. Esto refleja, de un modo extremo, la pasión que puede llegar a sentir una persona por la música clásica. Y también demuestra que la música puede llegar a crear tornados...

Si te gustó la música del dibujo animado debes saber que se trata de la Obertura de Guillermo Tell de Rossini. Esta pieza es una de las más conocidas del planeta y consta de tres partes: la tormenta, la parte pastoral y el galope.

Pero, a diferencia de la historia animada, que finaliza con la tormenta, la obertura original empieza con ella. Chequeen como empieza la tormenta en el minuto 2:40 y fijense como amaina el temporal en el minuto 4:40. Lo divertido es que el público de Berlín, cuando presiente la tormenta saca sus paraguas, cool...

Luego viene la parte pastoral que nos evoca la vida dulce y apacible que se vive en el campo en pleno conbtacto con la naturaleza. Y en el minuto 2:30 el ritmo cambia de manera brusca: es el galope, esta parte es conocida ya que siemnpre se incluye en carreras de caballos. La asociación es tan fuerte que muchas personas al escuchar el galope piensan instintivamente en caballos. Disfruten la segunda parte, siempre con la Filarmónica de Berlín.

Las dos etapas musicales de Rossini

Rossini tiene dos etapas en su vida como músico: su etapa italiana y su etapa francesa. En Italia, su primera etapa, entre 1810 y 1823 compuso 34 óperas (cuando, por ejemplo, Verdi, tardó más de cuatro años en componer Aida). Comienza su época francesa con alguna ópera en italiano y sobre todo con la reelaboración en francés de óperas ya estrenadas en Italia (el Sitio de Corinto es una reelaboración de Maometto Secondo, Moisés y Faraón es una reelaboracón de Moisés en Egipto, el Conde Ory es una reelaboración del Viaje a Reims). Culmina esta producción con una grandiosa (por calidad, emoción y duración de más de cuatro horas) ópera en francés: Guillermo Tell.

Curiosamente, ésta será su última ópera (cuando le quedaban varias decenas de años de vida por delante). Es este uno de los grandes temas de la operística actual. ¿Por qué dejó Rossini de componer tras GuillermoTell ? Son muchas las respuestas que se dan, desde el hastío, hasta la riqueza que ya había generado, pasando por abundantes dificultades de salud y, quizá también por el cambio que se estaba produciendo en el mundo de la ópera, con nuevas necesidades vocales, orquestales y teatrales. Quizá los motivos sean todos estos y algunos más.

Guillermo Tell

Guillaume Tell (o Guillermo Tell) es una ópera en cuatro actos con música de Gioacchino Rossini y libreto de Étienne de Jouy e Hippolyte Bis, basados en la obra Wilhelm Tell de Schiller que tiene como protagonista al legendario héroe de la independencia suiza Guillermo Tell, aquel héroe que no se postró ante el tirano.

Fue estrenada en la Opéra de París el tres de agosto de 1829. La versión original fue escrita para el público parisino siguiendo el estilo de la grand opera, pero inmediatamente se hicieron varias versiones italianas, más cortas.

Guillermo Tell fue la última ópera compuesta por Rossini. Éste decidió componerla para la ópera de París a cambio de una pensión vitalicia otorgada por el gobierno francés.

Esta obra se aleja del esquema habitual de la ópera rossiniana. En ella no se encuentran las cabaletas o los crescendo de su época anterior. Es por ello que la reacción del público no fue favorable, ya que se encontró con algo totalmente distinto de lo que esperaban. En su lugar, nos encontramos con una ópera seria y de gran extensión, de gran impulso dramático y lírico, proveniente de la partitura. Esto convierte a Guillermo Tell en una ópera romántica.

Existen varias grabaciones de la obra, pero dada su longitud y las capacidades técnicas del reparto no se produce con regularidad (casi seis horas y un tenor capaz de lograr hasta veintiocho dos de pecho).

La Tormenta

Los fenómenos climáticos, y las tormentas por excelencia, han sido fuente de inspiración de numerosos músicos. Un ejemplo reciente lo encotramos en La Tormenta del griego Yanni. Les dejo el video:

Bien y eso es todo por ahora. Nos vemos en la próxima entrega....

Grrrrrrrr!!!!!

P.D. Si quieres conocer más sobre la vida de Guillermo Tell dale click al siguiente enlace:

Guillermo Tell en la Wikipedia

Rossini - El Barbero de Sevilla

2009-01-07T17:36:00.000-08:00

Rossini - El Barbero de Sevilla

Este era, y es, uno de mis dibujos animados favoritos es El Conejo de Sevilla, un cortometraje animado de Looney Tunes dirigido por Chuck Jones y estrenado el 16 de diciembre de 1950 por Warnner Bros. Pictures.

La historia comienza con un grupo de personas que va a ver la ópera El barbero de Sevilla en el Hollywood Bowl. En ese mismo momento, fuera del recinto, Bugs Bunny es perseguido por Elmer Gruñón y ambos entran por la puerta trasera. Mientras Elmer busca a Bugs en el escenario, el conejo sube el telón, y el director de orquesta comienza la ópera. Bugs aparece cantando en el escenario vestido de barbero, y le ofrece a Elmer un afeitado. Y después... mejor no les sigo contando, véanlo ustedes mismos. El video es para matarse de risa:

El Barbero de Sevilla

El Conejo de Sevilla es, nada más y nada menos, que la ópera El Barbero de Sevilla de Giochiano Rossini, un gran compositor italiano. Rossini escribió esta ópera en un tiempo récord, pues el contrato de la ópera se firmó menos de dos meses antes de su estreno. Muchos años después, Rossini alegaba que la terminó en sólo trece días. Sin embargo, es muy probable que el tema de Fígaro hubiera rondado por su cabeza desde mucho tiempo antes de su composición. La ópera está inspirada en la Sevilla de fines del siglo XVII o comienzos del siglo XVIII. La parte más famosa es la Obertura, disfrútenla:

¿El estreno? Todo un desastre

Cuando se estrenó esta obra, el público asistente dejó mucho que desear pues se comportó en forma grosera, reía, gruñía, silbaba, etc. Uno de los cantantes dio un paso en falso y cayó en medio del escenario causando la burla de todos. Por otra parte, a uno de los músicos en plena ejecución se le rompió una cuerda de su instrumento y por si todo esto fuera poco, de improviso un gato dio un salto y apareció en el escenario. ¡Pobre Rossini!

Rossini prefirió salir, mejor dicho se escapó, y poco después exclamó “ Tuve que huir ante la actitud de un público desencadenado. Yo creía que me iban a asesinar” Al día siguiente los asistentes recapacitaron y se convirtió en una de las obras preferidas.

Paul Mauriat

Paul Mauriat, fallecido en 2006, fue un director de orquesta francés, pero tiene un estilo que lo hace inconfundible que algunos llaman orquesta pop, es decir su orquesta tiene los instrumentos clásicos, pero también integra la batería y el çorgano y la guitarra eléctrica. ¡Y los resultados son fabulosos! Si desen convencerse escuchen El Barbero de Sevilla en la versión de Paul Muriat:

Realizé una encuesta relámpago sobre las preferencias de los tres videos, de acuerdo a las edades. Lógicamente la versión de Warner gusta a todos los niños, los adultos con cultura musical prefieren la versión con orquesta cñasica. Finalmente los jóvenes, mayores de 18 años, y adultos en general prefirieron la versión de Mauriat. Y ati ¿qué video te gustó más? Cualquiera sea el resultado: ¡Que viva la música clásica!

Hasta la próxima:

Leonardo Sánchez Coello
Profesor de Educación Primaria

Beethoven - La Marcha Turca (de las Ruinas de Atenas)

2008-12-04T13:11:00.000-08:00

Beethoven - La Marcha Turca (de las Ruinas de Atenas)

Saludos. Todos los que vivimos en América Latina compartimos muchas cosas en común. Por ejemplo compartimos todos el subdesarrollo (eufemismo para no decir que nuestras economías son dependientes de otors países), pero no, no vamos a hablar de economía ni de politica (al menos no por ahora, jejeje).

También la gran mayoría de naciones de América estuvimos tres siglos bajo dominio español, y el idioma, que otrora nos impusieran los invasores, es ahora factor de cohesión. Otro elemento en común es El Chavo del Ocho una serie mexicana, producto de Roberto Gómez Bolaños (alías Chespirito). ¿Quién de nosotros no ha visto un capítulo de esta serie cómica clásica? Sobre todo la canción del inicio es inconfundible...

Jean-Jacques Perrey

Pues bien existe un genio detrás de esta melodía, se trata de Jean-Jacques Perrey, músico francés de música electónica. El compuso The Elephant Never Forgets, tema incluido en el álbum Moog Indigo (1970). Roberto Goméz Bolaños, Chespirito, toma el tema y lo convierte en la introducción de su famoso progrma El Chavo. Esta es la versión completa de The Elephant Never Forgets:

Beethoven

Bien, pero detrás del genio de Jean-Jacques Perrey estaba el genio de Beethoven, uno de los músicos más grandes de todos los tiempos, y su gran composición La Marcha Turca. La Marcha Turca es la composición OP:113 Nº4 del celebre compositor alemán Ludwig van Beethoven, escrita en 1811, es un homenaje a la obra "Las ruinas de Atenas".

Escuchen la versión que interpreta un prodigio de nuestra época: Evgeny Kissin al piano, es fabuloso, extraordinario. Disfruten:

¡Vaya! Este es el post más curioso que he escrito hasta ahora. Sin duda la música clásica se encuentra hasta en los lugares más insospechados. ¡Y nos lleva por misteriosos caminos!

Saludos:

Leonardo Sánchez Coello
Profesor de Educación Primaria
leoysusleones@hotmail.com

Strauss - El Murciélago (Die Fledermaus)

2008-11-30T09:05:00.000-08:00

Strauss - El Murciélago (Die Fledermaus)

Se puede hacer poesía con las palabras, con la música, con las imágenes... ¡y también se puede hacer poesía con el cuerpo! ¿No lo creen? Observen entonces a los campeones europeos, y luego campeones mundiales, de patinaje artístico sobre hielo.

El año: 1989, los protagonistas: los soviéticos Ekaterina Gordeeva y Sergei Grinkov, ellos realizan su poesía con el tema: Die Fledermaus (el Murciélago, en alemán) de nuestro amigo Johann Strauss:

El vals

En el post anterior hablamos sobre el Danubio Azul, este hermoso vals es muy popular y se baila, de manera infaltable, en las fiestas de matrimonio de toda américa latina, ¿el por qué?, pues simplemente es la tradición. Los seres humanos vivimos fuertemente unidos a las tradiciones. El Danubio Azul pegó, y pegó bien en los países de nuestra América, pero... ¿qué hubiera sucedido si otro vals hubiera pegado? Por ejemplo, aquí les presentó la obertura de la opereta Die Fledermaus (El murciélago), es un maravilloso vals que bien podría bailarse en las bodas, escúchenlo:

La opereta Die Fledermaus sale de un período concreto en Viena. Viena fue una de las más importantes capitales en Europa durante el siglo XIX y es a menudo llamado la "ciudad de los sueños". Esta fue la Edad de Oro de los Habsburgo, la más próspera familia real en la Europa continental, y Viena es su capital. Esta atmósfera es perfecta para el crecimiento de la industria del entretenimiento, y surge la necesidad del entretenimiento musical.

Entre la gran variedad de danzas, ninguna se asocia a Viena y los Strauss como el vals, un baile que proviene de las zonas rurales de Austria y Alemania, a principios de 1700 los violinistas ambulantes venidos de Linz amenizaban las cervecerías vienesas. Ya por 1750, danzas llamadas valses comenzaron a emerger en Baviera, el Tirol y Estiria. La popularidad del vals estuvo ligada a la proximidad del hombre y la mujer mientras daban vueltas, algo que se veía como erótico y escandaloso, que, como lógica consecuencia, se hizo popular entre los jóvenes. El propio Wagner decía que era una droga más excitante que el alcohol.

La polka

Tras el vals, la polka es otra danza procedente de Bohemia asociada con la familia Strauss. Escrita en compases binarios, alude a un mundo menos fantástico que el de los valses. Ya sentimentales, ya ruidosas, todas las polkas son divertidas. Las rápidas son breves y bullangueras, de rico colorido y sorprendentes efectos; por su parte las lentas son más reflexivas y poéticas, con ritmo cadencioso y pausado.

La opereta

A partir de 1860, otra forma de entretenimiento popular se sumó a la vida vienesa: la opereta. El máximo exponente fue Jacques Offenbach cuyas obras importadas de París inspiraron a muchos imitadores entre los que estaban Suppé y Séller y, por supuesto Strauss. Esta forma difiere de la ópera en que contiene secciones habladas (igual que la zarzuela), y sus temas cómicos son casi siempre inverosímiles. De las dieciséis operetas escritas por Strauss, sólo perviven en los teatros El murciélago y El barón gitano. En cualquier caso muchas de sus oberturas, polkas y valses son como pequeñas joyas.

Una opereta es como una ópera en que gran parte de la historia se narra a través de la canción con personajes vestidos con trajes período, rodeado de hermosos conjuntos y acompañado por la orquesta. Pero la gran diferencia entre la opereta y la ópera es que la opereta en el estilo de la música es mucho más popular, y a menudo hay más diálogos que en una ópera. La opereta es más bien como los musicales de Broadway: Cats, El Fantasma de la Opera o Alquiler.

Un dato extra: En una encuesta realizada en 1890 para determinar a los populares de Europa, Johann Strauss resultó el tercero tras la reina Victoria de Inglaterra y el canciller Otto von Bismarck, pues se le veía como el hombre más apuesto de Viena.

Otro dato extra: A mediados de 1870 los valses de Strauss legan a Perú, las clases acomodadas peruanas las hicieron sus favoritas, obviamente siguiendo las modas europeas. Luego de la guerra con Chile (1879 - 1884) los valses salen de los salones perfumados y llegan los barrios populares limeños. Es ahí donde se le añade sal y pimienta y surgen el vals criollo. Los primeros valses, de principios del siglo XX, son anónimos y se les denomina valses de la Guardia Vieja.

Saludos:

Leonardo Sánchez Coello
Profesor de Educación Primaria

Strauss - El Danubio Azul

2008-11-28T19:57:00.000-08:00

Strauss - El Danubio Azul

Stanley Kubrick en su película 2001: Una Odisea del Espacio (2001: A Space Odyssey - 1968) crea poesía con las imágenes (claro que sí... si se puede crear poesía con imágenes), Kubrick utiliza como soporte de sus poemas visuales el vals Danubio Azul, es una de las escenas mejores logradas en el cine.

En 1999 el Dr. Heywood Floyd viaja de la Tierra a la Luna, primero en un avión-cohete que lo eleva hasta una estación espacial en órbita y todavía en construcción. La maniobra de aproximación es una bella coreografía espacial. Disfrútenlo:

Genial. A falta de gravedad el hombre tiene que volver a aprender a caminar, se nutre de alimentos infantiles... Un análisis detallado del film se encuentra en Kubrick 2001. Una mirada semiótica al film en Clon. UAM.

Bien, es casi seguro que ustedes han escuchado este un clásico de los clásicos, se baila en matrimonios, celebraciones de quinceaños, bailes de promoción de colegios y universidades... ¡todos hemos oido, y disfrutado, este hermoso vals! Conozcamos su historia.

El Bello Danubio Azul

En febrero de 1867 se encargó al músico Johann Strauss (hijo), también conocido como Johann Strauss II, escribir un vals "vivo y alegre" para los carnavales de Viena de aquel año. Aquel mismo mes se estrenó el vals, con su coro, pero no llamó mucho la atención. Strauus estaba furioso con su creación: "Que el diablo se lleve este maldito vals!" llegó a decir en un rapto de ira.

Luego de unos años Strauss dirige este mismo vals en la Exposición Mundial de Paris, esta vez sin el coro, y el éxito es impresionante. Unas semanas después salía para todos los rincones del mundo un millón de ejemplares de la partitura impresa de El Bello Danubio Azul (An der schönen blauen Donau op. 314). Este vals es considerado el segundo himno nacional de Austria.

Disfruten este maravillosos vals:

Gracias a esta creación Strauss (hijo) fue conocido en su vida como "el rey del vals" y a él se debe en gran medida la popularidad del vals en la Viena del siglo XIX. Revolucionó el vals, elevándolo de una danza campesina a una de entretenimiento apta para la Corte Real de los Habsburgo.

El vals es una danza de ritmo ternario y se baila en parejas.

El río Danubio

El Danubio es río más largo dentro de la Unión Europea -2,860 kilómetros- y uno de los más largos de Europa, tan solo superado por el Volga. Este largo río europeo atraviesa el territorio de diez países, en donde toma un nombre diferente. El Danubio también es fuente de agua potable para cerca de diez millones de personas, también funciona como ruta de transporte comercial de la Unión Europea y es ruta obligada para los turistas que visitan el viejo continente. El vals se llama "El bello Danubio azul", a pesar de que el río junto a Viena es de color entre gris y marrón. Pero la música se impuso sobre la realidad y el vals evoca un paisaje luminoso e indiscutible.

Saludos desde Perú:

Leonardo Sánchez Coello
Profesor de Educación Primaria