Leoncavallo - Vesti la Giubba y la Tragedia de un Payaso

 Leoncavallo - Vesti la Giubba y la Tragedia de un Payaso

En la película "Los Intocables de Elliot Ness" (1987) aparece una escena donde el mafioso Al Capone (Robert de Niro) se conmueve hasta las lágrimas al escuchar una ópera, lo curioso es que en ese mismo momento el ha mandado a uno de sus matones a asesinar a Malone (Sean Connery), uno de los poliías que está tras sus pasos.

 Un actor encarna a un cantante de ópera, pero la voz es del gran Mario de Mónaco que interpreta "Vesti la Goiubba" (Ponte el Traje). Vesti la Giubba es una famosa aria para tenor de la ópera Pagliacci, de Ruggiero Leoncavallo. Vesti la Giubba es el final del primer acto, donde el payaso Canio (Pagliaccio) descubre la infidelidad de su esposa, pero se ha de preparar para un espectáculo que debe continuar.

El aria es a menudo considerado como uno de los más conmovedores en el repertorio operístico de la época. El dolor de Canio se retrata en el aria y ejemplifica la noción entera del "payaso trágico": sonriente por fuera, pero llorando por dentro. Esto se sigue mostrando hoy en día, como el motivo payaso ofrece a menudo la lágrima pintada en correr por la mejilla de la actriz.

 

La grabación de 1904 por Enrico Caruso fue el primer millón de ventas récord en la historia. Los dejamos con Enrico Caruso:

La primera función de la obra es de 1892, pero el aria se ha hecho bastante popular y ha salido en diversas películas y series de televisión.

Ruggero Leoncavallo

Ruggero Leoncavallo, fue un compositor y libretista representante del movimiento “Verista” de la Ópera italiana. Su ópera "Pagliacci" de 1892 le aseguró un lugar en el mundo de la música. Muchos lo consideraban como el mejor libretista italiano de su época, después de Arrigo Boito. Leoncavallo compuso varias óperas más en los años anteriores a su muerte, que tuvo lugar en Montecatini el 9 de agosto de 1919, pero en la actualidad sólo "Pagliacci" se representa con regularidad.

Ruggero Leoncavallo, hijo de un juez, nació el 25 de abril de 1857 en Nápoles, Italia. Ya de niño mostró su talento, siendo admitido a los nueve años en el Conservatorio de Música de Nápoles como alumno de piano y composición. A los dieciocho años, Leoncavallo empezó a escribir su primera ópera, Chatterton. Organizó su estreno en Bolonia, pero un empresario sin escrúpulos abandonó al joven compositor justo antes del estreno. Desanimado y sin dinero, Leoncavallo hubo de ganarse la vida dando clases de piano y voz, y actuando en cafés-concierto.

El siguiente proyecto operístico de Leoncavallo fue I Medici (Los Medici), primera parte de una ambiciosa trilogía basada en el Renacimiento italiano. El trabajo no interesó a Ricordi, célebre y poderoso editor de música, y quizá desesperado, Leoncavallo escribió Pagliacci (1892) emulando el vívido realismo de Cavalleria Rusticana (1890) de Mascagni, que había tenido un enorme éxito. El realismo de esta ópera, con sus ambientes contemporáneos, sus personajes de la clase trabajadora, y pasiones y actos de gran violencia, recibiría el nombre de verismo.

Leoncavallo escribió su propio libreto para Pagliacci. Buscando una historia realista y trágica que pudiera utilizar, recordó una historia real que le había contado su padre. Éste, siendo juez, presidió el juicio a un actor que mató a su mujer en un rapto de celos. La historia se adaptaba a sus necesidades, y la convirtió en la base de su ópera; éste es el "cajón de los recuerdos" al que se refiere en el Prólogo.

Pagliacci fue un éxito que hizo famoso a Leoncavallo prácticamente de la noche a la mañana. Por desgracia, al igual que Mascagni, nunca logró otro éxito igual. Cuando I Medici por fin se estrenó en 1893, la acogida fue fría, y el compositor abandonó su plan de terminar la trilogía. Su ópera La Bohème (1897) fue eclipsada por la versión de Puccini de la misma historia, que se había producido el año anterior con gran éxito. Tan sólo Zaza, la historia de un cantante de music-hall parisino, tuvo cierto eco digno de mención: su estreno en Milán en 1900 contó con Toscanini dirigiendo a un reparto cuajado de estrellas.

Leoncavallo compuso varias óperas más en los años anteriores a su muerte, que tuvo lugar en Montecatini el 9 de agosto de 1919, pero hoy en día, sólo Pagliacci se representa con regularidad, casi siempre en el mismo programa que Cavalleria Rusticana de Mascagni.

Finalmente los dejo con una de las versiones más conocidas de Mario del Monaco, una interpretación de 1975, es decir siete años antes de su muerte: 

Y eso es todo por hoy, sólo me queda decirles...

Ggggrrrr!!!!

(¡Hasta la próxima!)

Su amigo:

Leo el León

Maurice Ravel - Bolero (de Ravel y de Raquel)

Maurice Ravel - Bolero (de Ravel y de Raquel)

Grrr!!!

Saludos cachorros.

Hace pocos días atrás se ha recordado el natalicio de Mario Moreno "Cantinflas", uno de los más grandes cómicos mexicanos de todos los tiempos. En una de sus numerosas películas, él interpreta a un bolero (así llaman a los lustrabotas en México) y, por una equivocación, termina bailando en un exclusivo teatro. Aquí el video:

La película se llama el "El bolero de Raquel", el nombre deriva de la melodía que baila Cantinflas en aquella película: "El bolero de Ravel". Encontré este magnífico artículo sobre esta bella música, la nota fue extraída del blog En Red Mayor:

Caricatura de Ravel por Jean Godebski

El francés Ravel le escribió una carta a su amigo Calvocoressi en 1931, después de su triunfal gira como pianista en los Estados Unidos, y en la que se leía: “(La nueva obra que se me ha solicitado) es un experimento en una dirección muy especial y limitada, y no está pensada para que pueda tomar otra forma posteriormente. Después de su estreno he dejado saber que lo que escribí es una pieza de diecisiete minutos de duración y que consiste totalmente en un manto orquestal sin música, con un crescendo muy largo y gradual. Aquí no hay contrastes y prácticamente no hay invención alguna excepto en su planteamiento y en su forma de ejecución. Los temas son impersonales –tonadas folklóricas de tipo árabe-español. Además, el tratamiento orquestal es simple y directo de principio a fin, sin la más mínima intención de virtuosismo.”

El bailarín Jorge Donn (1947-1992) en su insuperable creación de la coreografía de Maurice Béjart del Bolero

Efectivamente, el conocido Bolero se lo había solicitado a Ravel la bailarina Ida Rubinstein con el propósito de ser danzada y a través de la cual pudiera desarrollarse un escenario peculiar: un café español, a media luz, donde una joven mujer (por supuesto, la Sra. Rubinstein) comienza a bailar un lánguido bolero en una plataforma. Los demás, a su alrededor, comienzan a verla poco a poco y le siguen hasta estallar en una apoteosis dancística. Y como usted también pudo leer en la carta de Ravel a Calvocoressi, parece que al compositor le importaba muy poco lo que ocurriera después del estreno de ese Bolero que, según rezan las viperinas lenguas, no sólo no le interesaba sino que lo aborrecía.

Esa pieza musical de gran arrastre, colorido impresionante y de una capacidad de comunicación tan efectiva que se ha colocado como una de las más gustadas por los públicos del orbe nada más no le importaba a su compositor. Ese enorme genio que era Ravel ¿Estaría consciente de lo que hizo? ¿Por qué despreciaría una de sus obras musicales que ha hermanado razas y diversas formas de pensamiento? Y ¿por qué al parecer una pieza musical monótona como lo es y que sólo se modifica en sus seis últimos compases convoca con fuerza y magia a la sensualidad, la contemplación, el disfrute de la vida y, principalmente, de nuestro sentido auditivo?

Una imagen muy clara de ese enorme que ha tenido el Bolero de Ravel en la humanidad queda manifiesta en una película. Sí, como lo está leyendo: y esa película tiene el título de Melodía de la vida, en la que confluyen personajes de diversas nacionalidades y que a lo largo de la cinta exponen sus alegrías, tristezas, frustraciones y otras cosas por el estilo. Todo es coronado al terminar el film con la emotiva recreación que hiciera el entonces bailarín estrella del Ballet siglo XX de Maurice Bejart, Jorge Donn (ya fallecido), al Bolero de Ravel, teniendo como fondo nada más ni nada menos que la Torre Eiffel de París y con la presencia de todos los protagonistas participando de esa intensa herramienta de la comunicación que ha significado el dichoso Bolero raveliano.

Pero, además, diversas alusiones de la obra han quedado para la inmortalidad en –curiosamente- otras películas: desde la irreverente pero divertida alegoría a la música de Ravel en manos de Cantinflas con su sensacional Bolero de Raquel, hasta la divertida pero bastante zonza película ochentera de Blake Edwards en donde los dos actores no tenían ni la más remota idea de qué estaban haciendo ahí (Bo Derek y el fallecido Dudley Moore), en 10 La mujer perfecta. Una comedia medio cómica-sexual-musical con la que el Bolero de Ravel acompañó los contoneos de las trencitas de la Sra. Derek por las playas de Manzanillo, mostrando un cuerpo que sinceramente no era tan espectacular. Usted ¿con cuál se queda? Espero que responda: con el meritito Bolero de Ravel.

Finalmente los dejo con la famosa coreografía de El Bolero de Ravel:

Bonus:

Un EXCELENTE cortometraje animado que, desgraciadamente, retrata lo que ha sido, en su mayoría, la penosa evolución del ser humano... y que si volteamos a nuestro alrededor, nos da cuenta de porque estamos como estamos...

Este corto forma parte de la película "Allegro non troppo" escrita, dirigida y dibujada por el italiano Bruno Bozzetto en el año 1977 y que se puede ver es esta dirección web: http://v.youku.com/v_show/id_XMjg0MDg1MDg=.html

Hasta pronto cachorros!!!

Y recuerden que este post es cortesía del SUTEP, gracias a la huelga dispongo de unos minutos libres actualizar el  blog de "Música Clásica"

Tchaikovsky - Obertura 1812

Tchaikovsky - Obertura 1812

Saludos

Navegando en la red econtré este post en diferentes páginas webs. El título no deja de ser impresionante: 1 000 teléfonos, 2 000 SMS, una canción.

Hacer campañas virales (videos comerciales que se suben al YouTube para propiciar su propagación) hoy en día es tarea complicada. Para hacerlas, y que tengan éxito obviamente, hay que generar cosas raras y que tengan una pegada fuertísima. ¿Qué mejor que hacer una pieza de Tchaikovsky con celulares?

Esto es lo que realizó la gente de Vodafone para uno de sus comerciales. Para eso utilizó 1000 terminales con 53 melodías diferentes y que sonaron de esa manera después que enviaron 2000 SMSs. ¡Vaya trabajo de coordinación para reañizar este comercial! ¿no creen?

Excelente video viral producido por Vodafone (mucho mejor que cierto comercial con consolas de videojuegos volando por el aire destruyendo televisores, si me preguntan). La obra recreada es la Obertura 1812, de Tchaikovsky.

Napoleón en Rusia

El 7 de septiembre de 1812, en Borodino (a 120 km al oeste de Moscú) las tropas de Napoleón se enfrentaron a las fuerzas del general Mijaíl Kutuzov en la única batalla formal presentada por los rusos contra el hasta entonces invicto ejército francés. La batalla de Borodino tuvo un saldo estimado de 100000 bajas y resultó una victoria pírrica para Napoleón. Con sus recursos agotados las fuerzas maltrechas de Napoleón avanzaron hasta Moscú, que se rindió sin presentar resistencia. Esperando la capitulación del zar Alejandro I, los franceses se encontraron atrapados en una ciudad incendiada, lejos de sus líneas de abastecimiento. Al no poder asentar sus cuarteles de invierno, Napoleón se vio obligado a abandonar Rusia. Entre el 19 de octubre y hasta diciembre el ejército francés se enfrentó a varios contratiempos abrumadores en su larga retirada: hambre, bajas temperaturas, y el constante asedio de las fuerzas rusas. Abandonada por Napoleón en diciembre, la Grande Armée se encontró reducida a la décima parte de su número al momento de alcanzar Polonia. La Obertura 1812 puede ser interpretada como una representación literal de la campaña napoleónica en Rusia

Si desea conocer más vaya a la Invasión Napoleónica en Rusia.

La Obertura 1812

La podéis oir aquí.

La pieza comienza con una melodía religiosa de la iglesia ortodoxa rusa,... la Plegaria al Salvador, que recuerda cómo la declaración de guerra contra Francia fue notificada al pueblo en los servicios religiosos de toda Rusia. Es inmediatamente seguida por un cántico solemne de deseo de victoria. Estos anuncios y la reacción del pueblo están reflejados en la novela Guerra y paz, de Lev Tolstói (que también describe la batalla de Borodino (el 7 de septiembre de 1812), donde Napoleón Bonaparte vence a las fuerzas rusas e invade Moscú).

La pieza continúa con una marcha presentada por los cornos, donde se oye cargar a los ejércitos. El himno nacional francés, La Marsellesa sirve para denotar el carácter francés del ejército invasor y la victoria de Napoleón sobre los rusos. Un tema folclórico ruso conmemora la batalla donde los moscovitas vencen a Napoleón. La retirada de Moscú (a fines de octubre de 1812) está reflejada por un diminuendo en la música.

El fuego de los cañones muestra el avance de los rusos casi hasta las fronteras del imperio francés. Al final del conflicto se oyen campanas y fuegos artificiales por la victoria y liberación de Rusia de la ocupación francesa. Por debajo de los cañones y los cornos se oye el himno nacional ruso: Dios salve al zar. Este himno ruso es un contrapunto del himno francés que se escuchó antes.

Esta obertura muestra un anacronismo curioso, ya que ni La marsellesa ni Dios salve al zar eran en 1812 los himnos de Francia y Rusia respectivamente, sino que lo eran en la época en la que Piotr Ilich Thaikovsky compuso la obra.

Al estar considerada como música programática, se ha llegado a interpretar en numerosas ocasiones con cañones reales, en sustitución a los timbales y otros instrumentos de percusión para los que en realidad Tchaikovsky compuso la obra.

La Obertura en el cine

La Obertura 1812, es usada en la banda sonora de la pelicula V de Vendetta (2006). Una grabación se escucha en el principio, cuando V hace explotar el Old Bailey, y en el final, dándole marco a la destrucción del Parlamento británico. Estos datos fueron tomados del siguiente blog.

La obertura en los dibujos animados

En México, en el 2009, realizaron un comercial en el cual sensibilizan al espectador a preferir los productos mexicanos. Para ello contaron la ayuda de tres grandes elementos: el coyote, el correcaminos y Tchaikosky. Es para matarse de risa...

Escuche la famosa segunda parte de la Obertura 1812

La solemne Obertura 1812, Op. 49 es una obra orquestal compuesta entre septiembre y octubre de 1880. Fue estrenada en la Catedral de Cristo el Salvador de Moscú el 20 de Agosto de 1882. Tchaikovsky diría luego: "Es muy fuerte y ruidosa, carente de mérito artístico, porque la escribí sin calidez ni cariño". Hoy en día es parte de la historia musical de Rusia y de la Humanidad.

Bach - Tocata y Fuga en Re menor

Bach - Tocata y Fuga en Re menor

Saludos

Erase una vez... ¡Bach!

A inicios de los años ochenta se transmitió, con un inusitado éxito, en las cadenas de televisión de toda Europa y América una genial serie de dibujos animados: Erase una vez el hombre. 

La serie, que constaba de 26 programas, trataba de narrar los principales acontecimientos de la Historia Universal mediante dibujos animados. Una idea que nadie había realizado antes. En Perú se transmitió por Panamericana Televisión (canal 5), cuando era cachorro esperaba la hora con ansiedad, y a las seis de la tarde todos guardabamos silencio para disfrutar el programa (que veíamos en blanco y negro en nuestro televisor National de 14 pulgadas).

En España pasaban la intro, el opening, de la serie con una canción de Parchis, (que también está relacionado con la música clásica, pero de Parchís hablaremos en otro post). La versión de la serie animada para América Latina, menos mal, respetaba la edición original francesa. Aquí la tienen:



La serie fue un éxito total, inclusive la serie de 26 capítulos tuvo una saga a través de revistas por fascículos. Yo vendí mis historietas de Batman y Superman para poder comprarme los fascículos ¡llegué a completar toda la colección! Una serie altamente recomendable. ¿Y la canción de fondo? Es la archiconocida Tocata y Fuga en Re menor de J. A. Bach.

Bach y los órganos

En esta ocasión les voy a relatar una deliciosa anécdota de Johan Sebastian Bach, el genial músico alemán que perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales de todos los tiempos. Nadie sabe si esta historia es verdadera o es falsa, pero de todas maneras la narraré (y si no quieren leer historias, salténsela y pasense a los vídeos ¿de acuerdo?).

Johan Sebastian tuvo la desdicha de perder a su madre a la edad de nueve años, al año siguiente fallece su padre (quien ya lo había iniciado en la música). Entonces el pequeño Bach tiene que partir a vivir junto a su hermano dieciséis años mayor que era organista en una ciudad cercana. Lo más probable es que Johan le tomará elgusto a este instrumento desde esta edad.

Cada vez que Bach se aprestaba a tocar un órgano decidía primero probarlo. Para ello tocaba todas las teclas del instrumento, las gentes al escuchar la melodía ovacionaban al músico. Pero el no se envanecía con los aplausos, al contrario esto le causaba cierta risa, pues el estaba tratando sólo de comprobar si el órgano estaba afinado o no. Este es un órgano alemán de aquella época.



En efecto, cuenta la leyenda que Bach compuso Tocata y Fuga para probar órganos. Se dice que la primera cosa que hacía Bach al probar un órgano era usar todos los registros y tocar con la máxima textura, para ver si el órgano tenía "buenos pulmones", es decir, si soplaba lo suficiente como para proporcionarle viento a todo el instrumento. Si no había suficiente viento, la calidad de los tonos se veía afectada. La abertura serviría como una buena prueba para el sistema de viento de un órgano. Disfrute la versión del tema en órgano:

¡Maravilloso! ¿No les parece? Pero también aterrador, es un tema que a muchos causa temor y escalofrío ¿saben por qué? Se debe a que este tema se ha utilizado muchas veces, debido a la energía y carga emocional que posee, en películas de terror clásicas como Drácula y El Fantasma de la Ópera.

Fantasia de Disney

"La Tocata es impetuosa e intesa, y está realzada por bellos contrastes de tonos. la Fuga, divertida y exhuberante, da a los artistas la oportunidad de trabajar con una pieza abstracta"

Así se describe esta pieza en el prólogo de Fantasía. La animación de esta parte de la película fué todo un reto para los animadores que por primera vez en su vida debían interpretar sus propios sentimientos y emociones a través de imágenes abstractas. El título de la obra evoca imágenes indefinidas y no cuenta ninguna historia, por lo que permitía dar libertad para interpretar la música con las imágenes que esta producía en las mentes de los animadores al escucharla, sugiriendo formas, colores, figuras en movimiento...

Walt Disney llevaba años pensando en un proyecto de dimensiones abstractas y esa era la oportunidad que había estado esperando para llevarlo a cabo.



La decisión de abrir la "Película Concierto " con Tocata y Fuga de Bach fué bienvenida por todo el equipo, pues las clásicas notas iniciales de la pieza musical llaman la atención, suenan como el anuncio de algo grande que está comenzando. Al principio el oyente es consciente de la orquesta, pero conforme se va adentrando en la música, ésta va tomando forma en su imaginación, y esto es lo que plasmaron los animadores.

¿Sólo para órgano?

Se supone que Bach compuso este tema para ser interpretado en el órgano, ojo, se supone por que este tema está en discusión por parte de especialistas.

No obstante hay muchísimas adaptaciones de este tema. Pasemos revista a los arreglos para orquesta que realizó Stokowski, y los arreglos para violín que realizó Vanessa Mae.

Una de los arreglos más célebres es el de Leopold Stokowski, sus arreglos horrorizan a los puristas, pero podemos decir a su favor que este músico acercó la música de Bach a las multitudes, la versión que utiliza Disney en el film Fantasia es la de Stokowsky. Paul Mauffray dirige Tocata y Fuga con la Filarmónica de Brno (República Checa), con arreglos de Stokowsky...



Frecuentemente, Stokowski interpretó esta obra durante sus primeros años como organista; fue una de sus primeras grabaciones con la Orquesta de Filadelfia; apareció en disco en 1927. El director-orquestador escribió:

"La Toccata y Fuga en Re menor es como una vasta rebelión de la naturaleza. Da la impresión de inmensas nubes blancas y tormentosas -como las que a menudo flotan en el aire del Sena- o la monumental majestuosidad del Himalaya.... Esta obra es una de las supremas inspiraciones de Bach; la cadencia final es como un “conjunto masivo de columnas dóricas de mármol blanco."

Otra versión muy popular es la de la grandiosa Vanessa Mae y su violín eléctrico Zeta. Mae es famosa pues divulga la música clásica pero matizada con toques pop, jazz y techno. ¿Se habría in¡maginado Bach que su música sonaría de esta manera, con instrumentos eléctricos y sintetizadores? Escucharla es todo un placer...




Bach con diseño gráfico

En este video se muestra esta obra de Bach de forma gráfica, de tal manera que hasta un persona como yo, que ignora mucho de partituras, puede apreciar (y sorprenderse) de la belleza de las formas que crean las notas que escribió este músico en la primera mitad del siglo XVIII.

El video es un poco largo (8:34 minutos) y molestan un poco los pequeños “saltos” que da de pronto el programa de la computadora pero, por lo menos a mí, me resulto imposible no verlo hasta el final.



Es una producción de Stephen Malinowski (en cuya página hay más videos de este tipo).

Bien, nos vemos en breve.

Leonardo Sánchez Coello (Leo el León)
Profesor de Educación Primaria

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Wagner - La Cabalgata de las Valquirias y Apocalipsis Now

Wagner - La Cabalgata de las Valquirias y Apocalipsis Now

Apocalipsis Now es una genial película de Francis Ford Coppolpla, film que obtuviera dos premiso Oscar: a la mejor fotografía y al mejor sonido. Inolvidable, para todos los que hemos visto el film, es la escena en que los helicópteros del Noveno batallón de la Primera División de Caballería (Aerotransportada) bombardean un poblado de Vietnam, todo ello ambientado con la música de Wagner, La Cabalgata de las Valkirias" , tal cual hacían los audiovisuales de la Luftwaffe, para instrucción de los cadetes, que se pueden observar en Youtube.
  
Hitler, inclusive, dijo en una ocasión: "Para comprender al 3° Reich hay que comprender primero a Wagner".

La escena del film inmortalizó al helicóptero UH-1 Huey en muchas de las mentes de las personas que vieron la película.

La Cabalgata de las Valquirias de Wagner, que Robert Duval , creo que como el coronel Kilgore , ordena activar en el aire , y cuya estremecedora emision gracias a un superparlante adaptado a uno de los helicopteros (que ya parecian los jinetes del apocalipsis), anunciaban a sus enemigos con esa especie de marcha militar convertida en musica clasica que la destruccion y la muerte no les tardaria en llegar.



Y, como ya habrán adivinado, estas escenas sirven como perfecta excusa para hablar de Wagner, el compositor de la Cabalgata de las Valquirias.

El Anillo del Nibelungo: La obra maestra de Wagner

Richard Wagner compusó. ya cerca al final de su vida, su obra maestra: El Anillo del Nibelungo. Wagner demoró 26 años, de 1848 a 1874, en culminar esta obra maestra.

La trama gira alrededor de un anillo mágico, que concede el poder de dominar el mundo (mmmm, ¿no les recuerda a la Película El Señor de los Anillo?, digo); el anillo fue forjado por el enano nibelungo Alberich, con oro robado del Rin. Diversos seres míticos luchan por la posesión del anillo, incluido Wotan (Odín), el jefe de los dioses.

El plan de Wotan para superar sus limitaciones, que se extiende por generaciones, es el motor de gran parte de la historia. El héroe Sigfrido gana el anillo como pretendía Wotan, pero acaba siendo traicionado y asesinado. Finalmente, la valquiria Brunilda (amante de Sigfrido e hija desleal de Wotan) devuelve el anillo al Rin. Durante el proceso, los dioses son destruidos.

La ópera El Anillo del Nibelungo, consta de cuatro partes, la sección más conocida es la segunda parte: las Valquirias, en concreto el momento denominado la Cabalgata de las Valquirias.

La Cabalgata de las Valquirias

Wagner compuso "La cabalgata de las valquirias", segunda de las óperas pertenecientes a "El anillo del Nibelungo" inspirándose, para ello, en la mitología nórdica (en leyendas de los vi8kingos, para ser más exactos). Al tema de las valquirias se une una idea musical que evoca el galopar de los corceles.

Esta es la versión más vista en YouTube, la Cabalgata de las Valquirias con la Orquesta Filarmónica de Holanda...




 Y de la representación de esta ópera se ha desprendido un hecho curioso: se ha creado un estereotipo... al pensar en ópera muchos pensamos en una mujer gorda con un sombrero de vikingo, o sea con un sombrero con dos cuernos...

Y tenemos para ustedes una sorprendente revelación: los vikingos usaban cascos de cuero, no metálicos, y no tenían cuernos en ellos. Esta iconografía, que ha quedado grabada en el imaginario popular surgió, en realidad, de la recreación de una ópera de Wagner, “El ocaso de los dioses”, ambientada en la mitología nórdica.

Estas son algunas de las frases entresacadas del artículo “Un vikingo de hoy” (realizada por Milène Larsson) acerca de la genuina indumentaria vikinga:

“La imaginería que sale en las películas no es representativa del aspecto que tenían de verdad. Por ejemplo, se asume que llevaban cascos metálicos con cuernos, pero el metal era muy caro. Una espada costaba tanto como una casa; sólo los más ricos tenían una. Lo que llevaban los vikingos era un casco de cuero con refuerzos de metal, si se los podían permitir. Tenían arcos, cuchillos, lanzas y a veces hachas, herramientas que utilizaban en su vida diaria para cazar, comer o cortar madera, y también útiles para aplastar cabezas cuando iban a la guerra.
¿Entonces por qué tenemos esa idea de los cascos de metal con cuernos?

Es un mito originado en el siglo XIX a raíz de la ópera de Wagner El Ocaso de los Dioses, que trata del Ragnarök, el fin del mundo en la mitología nórdica. En esa ópera se mezclaban todo tipo de elementos y símbolos porque era lo típico durante el Romanticismo: realzar las cosas, exagerarlas, darles color.
¿Así que la imagen más famosa de los vikingos es una fantasía de un diseñador de vestuario del siglo XIX?

Más o menos, sí. Aunque es probable que durante la Edad del Bronce existiera algún tipo de casco con cuernos que utilizaran en las ceremonias.

No menos sorprendente que la ausencia de cuernos en el casco resulta la consecución de los colores que exhibían la dignidad del jefe vikingo: azules y rojos. Según cuenta Jakobsen,

- “El rojo y el azul eran signos de riqueza porque eran los colores más difíciles de hacer. Por ejemplo, la única manera de conseguir que un tejido adquiriera tono azulado era hervirlo con orina de un hombre que hubiera estado tres días bebiendo
- ¡Puagh!
- ¡Ja! Sí, había que hervir la tela con orina. Tengo amigos que lo han intentado y parece que olían tan mal que tuvieron que evacuar la casa y dejar las ventanas abiertas dos días. No, la orina de hombre hervida no huele bien.
- ¿Y qué hay del tinte rojo?
El rojo más vivo lo obtenían aplastando cierto tipo de piojo español.

Antes de regresar a comandar mi manada de leones los dejo con ua representación de Las Valquirias, aquí podremos ver a los vikingos, pero sin los cuernos en los cascos... 

Hasta pronto cachorros ...

Actualización: (23 de septiembre de 2012)

En Reencarnación, Nicole Kidman llega tarde a una función de La Valquiria ¡y la dejan pasar con el teatro lleno y levantando a toda una fila de la platea! Es absurdo, pero la escena incluye casi toda la preciosa obertura de esa ópera y termina con un primer plano de la Kidman realmente muy bueno, que demuestra que, cuando quiere, es toda una actriz.

Me parece un ejemplo estupendo de un fragmento de ópera perfectamente integrado en el contexto dramático de una película:

Strauss - El Danubio Azul y 2001: Una Odisea del Espacio

Strauss - El Danubio Azul y 2001: Una Odisea del Espacio

Stanley Kubrick en su película 2001: Una Odisea del Espacio (2001: A Space Odyssey - 1968) crea poesía con las imágenes (claro que sí... si se puede crear poesía con imágenes), Kubrick utiliza como soporte de sus poemas visuales el vals Danubio Azul, es una de las escenas mejores logradas en el cine.

En 1999 el Dr. Heywood Floyd viaja de la Tierra a la Luna, primero en un avión-cohete que lo eleva hasta una estación espacial en órbita y todavía en construcción. La maniobra de aproximación es una bella coreografía espacial. Disfrútenlo:



Genial. A falta de gravedad el hombre tiene que volver a aprender a caminar, se nutre de alimentos infantiles... Un análisis detallado del film se encuentra en Kubrick 2001. Una mirada semiótica al film en Clon. UAM.

Bien, es casi seguro que ustedes han escuchado este un clásico de los clásicos, se baila en matrimonios, celebraciones de quinceaños, bailes de promoción de colegios y universidades... ¡todos hemos oido, y disfrutado, este hermoso vals! Conozcamos su historia.

El Bello Danubio Azul

En febrero de 1867 se encargó al músico Johann Strauss (hijo), también conocido como Johann Strauss II, escribir un vals "vivo y alegre" para los carnavales de Viena de aquel año. Aquel mismo mes se estrenó el vals, con su coro, pero no llamó mucho la atención. Strauus estaba furioso con su creación: "Que el diablo se lleve este maldito vals!" llegó a decir en un rapto de ira.

Luego de unos años Strauss dirige este mismo vals en la Exposición Mundial de Paris, esta vez sin el coro, y el éxito es impresionante. Unas semanas después salía para todos los rincones del mundo un millón de ejemplares de la partitura impresa de El Bello Danubio Azul (An der schönen blauen Donau op. 314). Este vals es considerado el segundo himno nacional de Austria.

Disfruten este maravillosos vals:



Gracias a esta creación Strauss (hijo) fue conocido en su vida como "el rey del vals" y a él se debe en gran medida la popularidad del vals en la Viena del siglo XIX. Revolucionó el vals, elevándolo de una danza campesina a una de entretenimiento apta para la Corte Real de los Habsburgo.

El vals es una danza de ritmo ternario y se baila en parejas.

El río Danubio

El Danubio es río más largo dentro de la Unión Europea -2,860 kilómetros- y uno de los más largos de Europa, tan solo superado por el Volga. Este largo río europeo atraviesa el territorio de diez países, en donde toma un nombre diferente. El Danubio también es fuente de agua potable para cerca de diez millones de personas, también funciona como ruta de transporte comercial de la Unión Europea y es ruta obligada para los turistas que visitan el viejo continente. El vals se llama "El bello Danubio azul", a pesar de que el río junto a Viena es de color entre gris y marrón. Pero la música se impuso sobre la realidad y el vals evoca un paisaje luminoso e indiscutible.


Saludos desde Perú:

Leonardo Sánchez Coello
Profesor de Educación Primaria